记得之前去浦东美术馆看过胡安·米罗的展《小鸟，女人，星星》。
驻足，凝视了很久，他的每幅画都让我震撼，为什么呢？
因为，画展的解释这么有几句话，让人瞬间沉浸：
“尽管这些效果看起来具有明显的自发性，但它们的实现是被艺术家高度掌控的。”
“年复一年，米罗的绘画变得更大胆、更具姿态性；他将画布铺在地上创作，探索随机事件的可能性，并将不可预见的意外完全暴露在眼前。”
看完胡安·米罗的画，可能会让我们想想在这样变化、不稳定、不确定性如流星般集体划过的时代，艺术性的思维是不是能够帮助我们更好地度过这限定版的人生？
胡安·米罗（1893年4月20日—1983年12月25日），西班牙画家、雕塑家、陶艺家、版画家，超现实主义的代表人物。是和毕加索、达利齐名的20世纪超现实主义绘画大师之一。
米罗出生于巴塞罗那，是加泰隆尼亚人。其祖父是细木工匠，父亲是金银匠。他的祖父住在离巴塞罗那以南150公里的塔拉格纳省的科尔尼代拉，他的外祖父住在马约卡。
米罗经常去这两个地方，并对那里的昆虫、飞鸟、树木和蛇迷恋不已，他便长久地在乡间散步或画画。
同时他还去毕加索12年前待过的工业美术学校La Llotja上学。修完三年的艺术课程后，他开始工作，当一个小职员，但由于身体病情严重，于1911年离职。
米罗的画室
1911年米罗的大病恰恰促成了他艺术生命里的第一次危机的爆发。他生病以后，父亲就将他送往离巴塞罗那以南140余公里的老家——蒙特洛伊的一个农庄疗养。
在这里，他可以俯瞰金色的海滩、粗犷的断岩、坚石叠成的农舍、环绕村落的橄榄树和葡萄园。这让米罗领略到荒凉山地的无穷魅力，感受到自然界花木迷人的韵味。
正是这个美丽的农庄，对米罗一生的艺术创造都产生了深刻的影响，以至于后来他住在巴黎时，保持了每年夏天都要回蒙特洛伊的习惯。
身体康复后，他确信自己想成为一名艺术家，于是从1912年到1915年去巴塞罗那Francesc Galí艺术学院学习，随后还在圣卢克艺术圈参加绘画课。
米罗自画像
米罗描绘的乡土风情和人物肖像，不仅展现出野兽派纯净明亮的色彩特征，还有立体主义的破碎形式和精度，以及加泰罗尼亚民间艺术的二维性。
1918年，他在由Lluís Dalmau运营的前卫的巴塞罗那画廊举办了他的首次个人展。
米罗《蜗牛的轨迹》，1940年
米罗《静物和旧鞋》，1937年
巴塞罗那当时还是一个充满活力的文化中心，对从第一次世界大战中逃离的艺术家很热情，欢迎他们的到来，然而等到战争平息，世界和平时，巴黎则成为更大的艺术中心。
对于一个具有雄心大志的画家来说，巴塞罗那的天地太狭小了。经过艺术变革的巴黎，对米罗产生了强大的诱惑力。
毕加索与米罗
1919年米罗终于离开家乡，首次来到世界艺术之都巴黎。这个时期的巴黎艺术家荟萃，美术馆和博物馆珍品如云。
但米罗是一个贫穷而并无盛名的青年画家，他的画在异国无法卖出，在巴黎他几乎天天挨饿。但首次的巴黎之行给他的最大收获是认识了许多艺术界朋友，特别是同样来自西班牙的画家毕加索。
毕加索买下了他的一张自画像，这幅自画像一直被珍藏着。经过毕加索的介绍，米罗结识了云集在这里的许多艺术家 。
米罗《黎明前的星座》，1941年
米罗《小丑狂欢节》 1925年
《小丑狂欢节》是米罗的首幅超现实主义的作品：在一个奇特的空间逆转感，室内举行着狂热的集会，只有人类是悲哀的，那人带有颇为风雅的胡子，叼着长杆的烟斗，忧伤地凝视着观者。
围绕着他的是各种各样的野兽、小动物、有机物，全都十分快活。没有什么特别的象征意义，艺术家充分地描绘了一种辉煌的梦幻形象。
米罗《蓝色二号》，1961年
米罗《加泰隆风景》1924
《加泰隆风景》中的幻想，虽然神秘但很生动。在画中，黄色和橙黄的两块平面，相交于一条曲线。
猎人和猎物都画成几何的线条和形状。
一些不可思议的物体散置在大地上，有些可以辨认，有些好象暗示海上的生物或显微镜下的生物。
《华丽翅膀的微笑》
第二次世界大战爆发后，米罗不能回到他的故土西班牙。他动身去巴黎，在挪威附近的瓦兰吉维利一个诗意迷人的地方住了下来。
那里的景色和自由飞翔的鸟儿感染了他，画家完成了《星座》组画。由于德军残酷轰炸，米罗又不得不带妻女乘火车逃难巴黎，而巴黎正面临着德军占领，画家只好逃回故乡。
二战终于结束，米罗结束了与世隔绝的日子，在1947年来到纽约。他在美国共呆了8个月， 1948年从美国回到巴黎。
回巴黎不久，人们为米罗举办了作品展览会，但他的作品卖出很少。一个画商买了米罗一批作品，其妻却懊悔痛哭，说“谁会来买这玩意，我们要破产了。”她没有想到，几年之后米罗的作品价格扶摇直上，若干倍数地增长。
在他一生的创作题材中，夜空中的星星成了变幻无穷的永恒的符号，于是有人把他称为“星星王子”。
1948年，他对一位记者说：“大约是在战争爆发的时候，我的艺术创作开始转向音乐和自然。因为战争，我很想逃离，于是我故意封闭自己。这一期间，夜空、音乐和星星在我的画中有很重要的地位。”
米罗最先是在诺曼底的维尔小村定居，之后搬到马洛卡和蒙特罗格。20世纪30年代，他艺术中激烈抗议的元素渐渐被脱离冲突所取代。
他的晚期绘画变得更加大胆，黑色粗线条，图形元素更少，20世纪60年代的大型绘画中可以看到他运用的色彩极具表现力，就像1961年创作的《Blue》系列状态，还有像《The Lark’s Wing (1967)》这样的半抽象画作。
米罗的画毫不考虑的美学规则、血红色的线条、和突然爆裂出来的各个色块，散布在深浅不同的背景上交织相间着的点、线、面，像爆炸四溅的宇宙流星，带着浓烈的浪漫和自由……
有人说他以独有的姿态，去对抗这个世界的不完美，用自己无限的童趣和探索欲，去弥补这个世界的不完整。
米罗《荷兰室内景一号》，1928年
米罗《蔚蓝的金色》，1967年，巴塞罗那米罗基金会藏
在米罗的作品里，我们看到的几乎都是抽象的符号、隐喻的象征，以及无主题的演奏。对于画面上大量的抽象符号，米罗却说自己“从未有意识地制造象征符号”，他反而认为“正是没有明确意义的符号激进神秘的感觉”。
他的世界彷如一个梦境，每个人都能在其中找到自己想要的东西。
米罗的卓越之处，并不在于他的肖像画或绘画结构，而是他的作品有幻想的幽默；另一个卓越之处就是，米罗的空想世界非常生动。
他的有机物和野兽，甚至他那无生命的物体都有一种热情的活力，使人们觉得比日常所见更为真实。那种梦和情怀，总能触动每个人的心底。
有人说，米罗画风与儿童无异，不知为何却是大师，也有人将米罗称为“画家中的画家”，说他是音乐家中的画家，更是诗人中的画家， 被超现实主义的评论家们称为“把儿童艺术、原始艺术和民间艺术揉为一体的大师”。
他的超现实主义绘画具有鲜明的个人风格：简略的形状、强调笔触的点法、精心安排的背景环境，奇思遐想、幽默趣味和清新的感觉。
那么，使观众不可抗拒的魔力到底是什么？是不知所云的各种形？还是他的画中其实什么都没有？
刻意的形，而只有一些成份，一些形的胚胎，一些类似小孩子，在墙上乱涂乱画的原始形状，类似原始人在山崖上刻下的标记。
是色吗？米罗的颜色简单到只有几种基本色：蓝、朱、黄、绿，他精打细算地使用它们，准确之极。
这些假装漫不经心乱涂出来的稚拙形状，被脐带缠得乱七八糟的胚胎，似鬼魂、石珊瑚、活动的变形虫、各种乱针线，它们共同构成一个反复无常的滑稽世界，一个多彩多姿的梦幻世界。
米罗也一直在寻求新的技法，他和Josep Royo一起创作sobreteixims和挂毯画（1972-1979）。还曾与查尔斯·马克克一起给圣保罗·德·韦斯特的皇家教堂制作彩色玻璃窗。
布雷东说：“米罗可能是我们所有人中最超现实主义的一个。”在看厌了画室作品、美学示范、华丽词藻之后，我们在米罗的画中找到了清新的水源。
它平静地清洗我们的一切陈规俗套；他拒不承前，也不想超越任何人，更不想启迪后人的画家。
他只是以史前人类或儿童的方式去作首次的发明。他不使用我们这个时代的通常语言，而是给我们再造了一个时代梦想和思念的伊甸园。
他简单之极、天真之极，他在现代艺术中占有一席不是最高的，然而却是无人争夺的地位；他不与人争辩，不与人夺利。
他只是默默地画着。或许，这就是他全部的人格和艺术的魅力所在。
米罗始终像个孩子一样画画 ，不讲究任何手法，却能深得人心， 因为看第一眼就喜欢，这就是艺术。
1983年12月25日，米罗在他的画室去世，享年90岁。
即便是在去世的前一周，他仍然像个老顽童一样，对世界充满着好奇，对生命保持着敬畏，纯真地爱着这个世界。
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